viernes, 11 de octubre de 2019

El año de Artaud

"Luis"
tinta y digital 2019

“Aunque me fuercen yo nunca voy a decir, que todo tiempo por pasado fue mejor, mañana es mejor…”

De esta manera, y con esta frase contundente, Luis Alberto Spinetta, dejaba en claro su postura. Como un rayo veloz que se disparaba hacia el futuro, dejando atrás su pasado inmediato Junto a Pescado Rabioso. Decidido a cambiar de forma una vez mas, como lo había hecho anteriormente con Almendra, ahora el pescado mutaba hacia una especie de estrella irregular de color verde amarillento. Con una poesía siempre elaborada, pero un tanto más enigmática, intimista y surrealista.
Luis Alberto, con apenas 23 años desafiaba a sus fans en un teatro Astral repleto, con el único acompañamiento de su guitarra acústica. Algunos se animaron a insultarlo en varias oportunidades, el supo defender su propuesta con una habilidad envidiable para improvisar respuestas irónicas con un sentido del humor especial. Con su voz aguda y suave suelta un: “En cualquier momento tienen que tirar algo eh, estoy esperandolo” como advirtiendo a algunos distraídos, que no entendían que el rock o la música progresiva, como se lo denominaba por entonces, había cambiado. Y no todo eran grito riffs y distorsión.
También era posible mostrar otras estéticas, otras obras, otras ideas. Él se había propuesto acercar a sus fans a la obra de Antonin Artaud, un poeta francés que lo había cautivado y había muerto hacia 20 años. También estaba obsesionado con la obra de Vincent Van Gogh, que a su vez había cautivado a Artaud, llevándolo a escribir uno de sus textos más famosos “El suicidado por la sociedad” Spinetta estaba inspirado y lo mostraba, a la entrada del concierto en el que presentaba su flamante Lp, que había grabado y compuesto él solo, para cumplir con el contrato de un disco más con su discográfica.  Repartió un ensayo escrito por el “La suicidada por la sociedad” donde daba su postura sobre la música progresiva, o aquella balsa que nunca partió y naufragó mar aquí, mar allá… el rock, de a poco dejaba de ser algo para entendidos, los que estaban en la pomada, como se decía por entonces, para pasar a interesar a un público masivo. Esto hacia que los empresarios posen sus ojos en la nueva revolución cultural, como una nueva mina de oro. Algunos músicos se mostraban un poco reticentes, a dejar de ser los rebeldes que había embanderado Moris unos años antes.
Spinetta, en ese texto, hacia una crítica política sobre las discográficas y como explotaban a sus artistas. Todo esto ocurrió en 1973, un año tumultuoso muy convulsionado, artística, cultural y políticamente.



Es el año en que más discos de rock se editaban hasta entonces, con propuestas muy disimiles. Como el segundo de Sui Generis, el primero de León Gieco, Pappo´s Blues vol 3, Muerte en la Catedral de Litto Nebbia, Candiles de Aquelarre, y hasta el disco póstumo de Tanguito. Y por supuesto el ambicioso disco doble “Pescado2” con el que Luis cerraba un ciclo en su carrera. El torrente compositivo del musico por aquellos tiempos, le permitía darse el lujo de editar dos discos fundamentales para el rock en un mismo año.
Con respecto al contexto político, volvió Perón al país, con todo lo que esto traía aparejado, como el enfrentamiento armado en Ezeiza, el asesinato de Rucci etc. En Chile asesinaban al presidente Allende y explotaba una represión desenfrenada contra los artistas, el asesinato de Víctor Jara a manos de los militares en el estadio Nacional de Chile, la dudosa muerte de Neruda, quien padecía cáncer, todavía se investiga si fue envenenado. La juventud era protagonista política por primera vez, la urgencia de la revolución que parecía estar al alcance de la mano era la prioridad para muchos.
En “El año de Artaud” Rock y política en 1973. El libro de Sergio Pujol, analiza con una rigurosidad histórica increíble, mes por mes aquel año bisagra. El arte y la política van juntos siempre, mal que les pese a algunos. Y aquí se analiza una obra mítica de nuestra música popular, desde ambos puntos de vista. Ninguna obra monumental como es esta se genera de la nada, sino que se crea en un contexto histórico, social y político, y en este caso ese contexto fue muy complejo.
Pujol logra magistralmente saltar de la estética a la política y viceversa. Sin titubear ni aburrir en ningún momento. A mi entender, es un texto apasionado sobre la cultura argentina, más que un análisis de un disco. Si bien el Lp “Artaud” es el disparador, existen múltiples personajes que conviven con el mismo y su creador. Los nombres de Perón, Rucci, Cortázar, El Brujo López Rega, Billy Bond, Pinchevsky, Charly García, el tío Campora, David Lebón, Isabelita, Leonardo Favio, Palito Ortega… y tantos otros, conviven sin problemas en un relato con mucha acción y poca pausa. La manera en que está escrito, nos hace sentir en carne propia lo movilizado y vertiginoso que fue aquel año. Sobre todo, para los que no lo vivimos y gustamos de la historia, la política y el arte.
Además de contar con lujo de detalle lo que fue la creación de aquel disco, detalla otros discos fundamentales, los cuales algunos, no había escuchado o escuchado muy poco, como “Pinchevsky su violín mágico y la pesada”, “Buenos Aires Blus” de la pesada, “Kubero Díaz” y la pesada, “Tercer mundo” de Gato Barbieri, “Gabriela” de Gabriela Parodi o “Candiles” de Aquelarre. También hace un repaso por varios movimientos fundacionales de la contracultura nacional, como la revista-fanzine literaria “El parque”, que tuvo su origen en el parque Centenario, en encuentros entre diferentes grupos de artistas y jóvenes con las mismas inquietudes.
Por otro lado, me acerco a la última etapa de este artista inabarcable, me detuve en algunos de sus últimos discos que tenía poco escuchados. De los cuales rescato la trilogía “Para los árboles” “Pan” y “Los ojos” como imprescindibles para quien quiera disfrutar su magia. 
Si tienen ganas de hacer un viaje en el tiempo y vivenciar un poco lo que fue un año importante en nuestra cultura, no dejen de leerlo, pero recuerden que mañana es mejor.




“El año de Artaud” rock y política en 1973.
Sergio Pujol.
Editorial Planeta 2019.      

"Antonin"
Tinta y digital 2019.

martes, 17 de septiembre de 2019

Riders on the Sound

"RIDE"
Tinta y digital 2019

RIDE está de regreso con un álbum que los muestra en un momento estupendo, desde lo compositivo hasta el tratado del sonido.
La placa "This is not a safe place" abre con un tema casi instrumental "R.I.D.E" con un sonido potente, que nos mete de lleno en un océano sonoro, oscuro y profundo, cómo lo muestran en su portada. Un tanto más experimental que el trabajo anterior, que a mí entender, estuvo un poco más centrado en la electrónica y melodías amables. En este caso parecen mostrar un costado más experimental y arriesgado, sin abandonar del todo esa sensibilidad pop.
Quizás en "Clouds of Sanit Marie" y "Future Love" retomen esa senda más complaciente, sin abandonar en ningún momento el sonido característico de sus guitarras. 
En los últimos temas se vuelven un poco más introspectivos y oscuros como en el emotivo "Jump jet" cercano a Joy Division/New Order. O en los intimistas "Dial up" y "Shadows behind the sun" donde nos deleitan con un poco de acústica folk. 
El trabajo cierra con "In this room" un tema de casi 9 minutos,  muy ambiental que nos deja con ganas de más.
Sin dudas estamos ante una banda madura, con melenas menos pobladas, pero que sin dudas, como los buenos vinos mejoran con el paso del tiempo.
La banda estuvo el año pasado en Chile, sin pasar por estas pampas. Su cantante Mark Gardener estuvo en Argentina hace unos años, acompañado por la banda local "Iguana Lovers" pero nunca se concreto la visita de Ride con su formación completa.
En estos momentos se encuentran de gira, presentando su último álbum. Es sabido que son una de las bandas preferidas de Robert smith, quien los programo en varios festivales, en estos últimos tiempos.
Esperamos verlos pronto por aquí. Argentina puede no ser un lugar del todo placentero, pero seguro podemos darles un buen recibimiento.


viernes, 12 de julio de 2019

James en el país de las maravillas

"James Atkin"
Tinta y digital 2019

Para quienes no saben o no recuerdan, James Atkin fue cantante del grupo E.M.F, un grupo musical que lidero las listas de hits allá por los primeros años noventa, con su tema “Unbelievable
vinieron a nuestro país y dieron un gran concierto en el estadio Obras, con muy poco público pero con mucha energía. Del que hable en otra oportunidad.
Lo cierto es que en la actualidad, lleva adelante su carrera solista. Además de trabajar como profesor de arte en un colegio de Londres.
Luego de escuchar mucho su segundo disco en solitario “The Party Faithful” que me pareció muy bueno, decidí escribirle para preguntarle si le interesaría  remixar un tema de mi banda “Los Tenders” la sorpresa fue que no solamente me respondió inmediatamente, sino que lo hizo de mucho gusto. Y nos regaló un hermoso Remix que se encuentra  ETER/3MIX que ademas de la participación de James, cuenta con un remix de Sebastian Mondragon de Estupendo y uno de Gabriel Vampi Diederle de eXidor e Iguana Lovers.
                                                                                 


Por estos días el músico Ingles acaba de lanzar su último disco “Popcorn Storm” grabado íntegramente en su home estudio, ubicado en Yorkshire en el norte de Inglaterra. Un lugar muy bello, que cuenta con grandes extensiones de campos verdes.
Pueden ver un recorrido por su estudio, que muestra el mismo, en su canal oficial de youtube.
Con un sonido muy cercano al ambient y al chill out el disco despliega un sonido estimulante. Predominan los sintetizadores y la voz de James, que luce siempre joven, fresca y agradable. El disco abre con un tema instrumental, que nos va llevando de a poco al centro de esta tormenta sonora, los ritmos lentos acompañados de colchones de teclado, con un bajo constante, nos interna en un paisaje de ensoñación. En algunos pasajes, asoma un coro de una voz femenina, que repite una frase a lo lejos, como si se tratara de el canto de una sirena, que busca llevarnos a las profundidades de nuestras propias mentes. Lo cierto es que no se siente como un vendaval de viento huracanado, sino más bien como una llovizna suave y constante que nos acompaña permanentemente a través de la niebla matutina, nos moja lentamente, pero de manera continua. Pero no se siente fría, es más bien como un abrigo. Mas adelante “Rise” nos presenta la voz de James, suave e intensa al mismo tiempo, con mucha presencia, que nos va a acompañar durante todo el álbum. En el video oficial del tema, un Acid Bunny, nos canta en un paisaje invernal desolado, con la escasa compaña de unas ovejas que recuerdan a la portada del viejo “Chill Out” de KLF. 


El conejito nos va llevando al medio de la tormenta, cual Alicia en el pais de las maravillas, si nos dejamos llevar, podemos disfrutar del paisaje sonoro que nos propone a lo largo de sus 10 canciones. Cada tanto nos despabila algún sonido de batería un poco más fuerte, o algún dejo de guitarras, como en “Stay Classy (San Diego)” que levanta un poco la intensidad, pero por lo general es un disco muy ambiental y parejo, con un buen tratado de los bajos, que mantienen el Groove durante todo el viaje. Particularmente me gusta mucho el tema “Stop the Clocks” una lluvia de teclados y voces etéreas, con un sonido que transporta. También me gusta mucho"Western Love" que cierra el disco con una letra cargada de contenido social, cuenta con un bello vídeo con collages de imágenes muy bien combinadas.
El título del álbum es una frase que dijo la hija de un amigo suyo, James le pidió permiso para usarlo porque le pareció atractivo y la niña accedió. A lo mejor, esta vez, es la mismísima Alicia quien guía al conejo a través de la espesura del bosque.
Los invito a pegarse una vuelta por su obra y disfrutar del viaje.


viernes, 22 de marzo de 2019

Grace Jones


"Grace Jones"
Tinta y digital 2019

Quizás recuerden a esta mujer por aquel papel que interpreto en la película Conan el Destructor, Zula, una guerrera muy mal humorada que hacía de las suyas con un bastón, que no dudaba en emplear duramente durante algunas de las peleas que se desarrollan en el film.
Pero lo que muchos no saben es que ha grabado un par de discos muy buenos. Uno de ellos para mí el mejor de su discografía es “Nightclubbing” que acabo de descubrir hace un par de meses, un disco exquisito tanto desde la rítmica, como de la parte melódica. Muchos temas contienen largas partes instrumentales con mucha percusión en primer plano. Es un disco ideal para dibujar y pintar. Te permite meterte dentro de la música y perder el sentido del tiempo, mientras realizas otra actividad. Si tuviera que recomendar algún disco para dibujar, sin dudas este sería uno de ellos.
La portada es una imagen hermosa, con una Jones muy joven, que nos mira provocativamente, con una mirada desafiante, pero en calma. Con un saco enorme, que deja ver parte de su pecho brillante.  La imagen es totémica, una escultura de marfil negro, perfectamente pulido.

Boceto/ tinta y digital 2019

La fotografía pertenece a Jean Paul Goude, con quien mantuvo una relación y tuvo un hijo. Es el responsable de la imagen andrógina de Jones, tanto en sus discos como en sus shows. Con una marcada tendencia a la geometría y el minimalismo.
La producción está a cargo de Richard blackwell, un productor emblemático, conocido cazatalentos, que trabajo con infinidad de músicos y que se dice fue quien descubrió a Bob Marley.
Además, es el disco que contiene la famosa I've Seen That Face Before (Libertango)” basada en una melodía de Astor Piazzolla. 


Por esta y muchas más razones deben escucharlo. No se arrepentirán.
En estos momentos donde la idiotez machista sigue mostrando su peor cara. Donde un productor del famoso festival Cosquín rock trata de explicar el bajo número de artistas femeninas en el cartel, porque según él y su pequeña y cerrada cabeza, afirman que escasea el talento femenino en nuestro país. Que se puede agregar a semejante falta de respeto hacia nuestras artistas. Solo queda el repudio de la manera que podamos, esta es una manera de descargar un poco esa bronca. Quizás, también, puedo recomendar algunas de las bandas de aquí que mas me gustan por estos dias, con mujeres muy talentosas en sus filas: Las ligas menores, Juvenilia, Los Lunautas, Luncil, Riel, El club del rifle, Los viajes, La empoderada… y la lista sigue. Cada vez estoy más seguro que la verdadera revolución será femenina o no será. La lucha continua siempre.    

martes, 19 de febrero de 2019

Dos Chicos imaginarios

"Dos Chicos imaginarios"
Tinta y digital 2019
(Tipografia: Pearl Tompson)

En uno de los veranos menos calurosos de los que recuerdo, acabo de terminar de leer “Cured” donde su autor, Lol Tolhurst, cuenta como la mítica banda que supo integrar, The Cure, se fundó en uno de los veranos más calurosos de todos los tiempos en Inglaterra.

Cured “The tale of two imaginary boys”: representa una autobiografía emotiva y evocativa, de tiempos remotos, donde hacer música y tratar de llegar a más público, poco tenía que ver con estos días. Lejos de la inmediatez de internet, los recorridos eran en cierto modo más personales, donde muchas veces llegaron a correr verdaderos peligros, tratando de mostrar su música. Una de las anécdotas, cuenta como un loco le rompió la cara de un botellazo, produciéndole varias lesiones graves en el rostro. No falto un repaso por aquel recital histórico, en el estadio de Ferrocarril oeste en nuestro país. Donde hubo de todo, menos calma.
No duda en contar todo sobre su vida, sus adicciones, que lo dejaron fuera de la banda. La relación compleja o casi nula con su padre, la perdida temprana de su madre. Pero, sobre todo, se centra en su amistad con Robert Smith. Con quien decidió darle un vuelco a su vida, para escapar de la monotonía de un trabajo común. En un pequeño pueblo llamado Crawley al sur de Londres. Parece que todo comenzó con una mentira, como ocurre en la película “Sing Street” donde el protagonista, le pide a la chica que le gusta, que actué en el video de su banda. Solo que no tiene banda, entonces se ve obligado a armar una, cuando la chica le dice que sí.
Robert le pregunto: ¿Tocas algún instrumento Lol?, luego de ver su fanatismo por Hendrix.
Lol: Si, (Mintió) La batería.
Robert: Entonces ¿Te gustaría ir con Michael (Dempsey) y conmigo a la sala de música, la próxima vez que vallamos? creo que hay una batería.
Entonces, estaría puesta la semilla de lo que primero sería Easy Cure. Y luego conquistaría gran parte del mundo con sus canciones.


Con el simple “Killing an Arab” inspirado en el libro “El Extranjero” de Albert Camus, inaugurarían su Carrera compositiva. El mismo fue mal interpretado por un grupo de skinhead que seguía a la banda por todos lados. También confundió a la crítica, a quienes tuvieron que explicar de que trataba la letra. En ese primer Simple dejaría en claro el gusto de Robert por la literatura y la importancia que tenían las letras para la banda. Diferenciándolos de la mayoría de las bandas punks, con las cuales se identificaban en un principio. 

 Cuenta el proceso creativo de la trilogía perfecta “Seventeen seconds” “Faith” y “Pornography” como pasaron de ser un trio a un duo que Produjo un disco cargado de hits pop, el único que me falta en mi colección de vinilos “Japanes Wispers” abriendo el camino para “Head on the door” y “Kiss me, Kiss me, Kiss me” que los llevaría a la fama mundial.

 
Su pasión y participación en la banda se fue apagando, y no pudo ver la grandeza del que para muchos es el mejor disco de la banda: “Disintegration” en él, figura en la ficha técnica como, Lol Tolhurts: otros instrumentos. Siempre me preguntaba que querían decir con eso. Hoy sé, que casi no participo del proceso de composición y grabación del mismo. El día que lo invitaron a escuchar la mezcla despotrico contra el álbum y la banda. Su adicción al alcohol lo termino dejando abajo del barco que había ayudado a pilotear durante tanto tiempo.
De ahí en más: Un juicio sin sentido, una amistad quebrada, un talento apagado. Y luego…Un renacer, una disculpa, un reencuentro. En pocas palabras una historia de vida y redención. Un relato que no puede dejar de leer todo fan de The Cure.
Mucho camino recorrido en la música, por ser alguien que nació “El día en que murió la música” dicho por el mismo.

Hoy disfruta su vida en Los Angeles, trabajando en su proyecto Levinhurts que comparte con su esposa Cindy, y con el cual ya grabaron tres discos.


Un pequeño detalle que no me gusta de la edición española, es la portada. Suprimieron los diseños que realizo su ex compañero de banda, Pearl Tompson, antiguamente conocido como Porl. No sé porque las editoriales Hacen ese tipo de cosas, pudiendo usar los diseños originales, creados especialmente para este texto, crean una tapa nueva.
Más allá de este detalle estético, que seguramente no le interesa a nadie más que a mí, es una edición hermosa.

“Cured” 

The tale of two imaginary boys.
Laurence A. Tolhurts, 2016.
Traducción: Jordi Amor.
Malpaso Ediciones.

jueves, 29 de noviembre de 2018

Reed Louded

"Seré tu espejo"
tinta 2018
 Si de algo no hay ningún tipo de duda, es que Lou Reed es un tipo que ha vivido, y lo ha hecho a su manera. Cagándose en absolutamente todo, empezando por su familia, sus managers, sus productores, las discográficas, el mercado, los críticos y hasta en sus propios fans.
Un artista rupturista, por donde se lo mire. Además de romper barreras artísticas y estéticas, con su primera encarnación “ The Velvet Underground” hasta su última producción “LULU” tan criticada por sus fans y los de Metálica, con quien compartió la última de sus aventuras en este mundo.


Tanto para los que conocíamos parte de su obra, como para los neófitos “Lou Reed Una Vida” de Anthony De Curtis representa un buen muestrario de lo que fue la experiencia intensa de ser Lewis Allan Reed.



Una relación compleja y llena de resentimiento con sus progenitores, sobre todo con su padre. No dejo de escribir sobre ese tema hasta el fin de sus días, donde el punto más conflictivo de la relación se centra en el tratamiento de electrochoques que sus padres, le obligaron a hacer para curar su supuesta homosexualidad, aconsejados por un psiquiatra. Que según Reed le produjo varios problemas como la pérdida de memoria a corto plazo.
A partir de ese hecho, se dedicó a hacer todo lo que para su familia era un horror, sobre todo el consumo de drogas, el alcohol y el rock and roll. Pero no todo fue rebelión, fue un alumno destacado en la universidad, siempre preocupado por ser reconocido como un escritor que se aprovechó de la música para llegar de manera directa al público. Sus ambiciones literarias nunca decayeron desde que empezó a escribir canciones, ya en el segundo disco de Velvet underground se animó a musicalizar un cuento llamado “The Gift” recitado con un tono monocorde por su compañero John Cale.
Una de las características del libro es que no se dedica a ponderar el mito, sino que es muy crítico de su obra, y sobre todo de su vida privada, llena de controversias, ataques de ira y mal humor que padecían quienes lo trataban, quien en un minuto se convertía en tu amigo y al otro minuto te odiaba, como cita un allegado.
Pero, sobre todo, el libro es un buen catálogo de su obra, que es inmensa en cantidad e importancia. Me tome el trabajo, gracias a las nuevas tecnologías, de ir escuchando los discos cronológicamente en spotify. Es un ejercicio que recomiendo ampliamente, es una hermosa aventura. Me han sorprendido varios discos que no conocía como “New sensations” “Magic and lost” o “The Blue Mask” los discos en vivo “Take no prisoners” o “Rock and roll animal” representan una buena muestra de lo que fue su fuerza en vivo, siempre obsesivo con el sonido, supo rodearse de buenos músicos que ayudaron a desarrollar sus ideas.
Un pequeño dato que me emociono, del cual no tenía idea, fue el último encuentro de Velvet Undergroun, donde homenajearon al difunto Sterling Morrison, guitarrista de la banda. Allí tocaron la última canción compuesta para la ocasión “Last night i said goodbye to my friend” y fueron introducidos al salón de la fama del rock.  Donde las palabras de Cale fueron las más acertadas:
"Este acontecimiento deja en claro algo asombroso para todos los jóvenes músicos del mundo: Las ventas no son todo en el Rock. Y todos en el mundo merecen aliento… la inspiración y la libertad artística son las bases del Rock and roll"


Según cuenta el libro las palabras de Andy warhol a la Velvet y especialmente a Lou, cuando fueron a grabar el primer disco, del cual Andy era el supuesto productor y del cual se vendieron muy pocas copias, fueron: “siempre hagan lo que quieran, no dejes que te obliguen a cambiar ni una palabra de tus letras”

Algo raro que me llama la atención, es la cantidad de errores de tipeo que tiene el libro, quizás tenga que ver con la traducción o la corrección, pero mas allá de ese pequeño detalle es un libro altamente recomendable.

viernes, 9 de noviembre de 2018

Maggot Brain

"Pacha Brain"
acuarela 2018.

Llegue a este disco por el famoso libro los 1001 disco que debes escuchar antes de morir.
Nunca había prestado atención al funk, y decidí empezar por este disco. Debo decir que la portada me atrapo ni bien la vi. Esa negra que grita desesperadamente, enterrada en medio de la oscuridad. Enigmática y fuerte, cual pacha mama, herida, pero dando batalla. Representa la puerta de entrada a un disco increíble.
Unos golpes de batería con delay, nos adentran en un trance eterno, que se profundiza con una guitarra quejosa cargada de wah wah, que se entrelaza con otra guitarra más acústica, que desarrolla un interminable arpegio. Se pueden ver atisbos de Hendrix, en una de las introducciones más largas de la historia.  Luego de 9 minutos puede escucharse un susurro que reza algo así como “Call Maggot Brain” o quizás “Cool Maggot Brain”.
Cuenta la leyenda que el mentor de todo este viaje y creador del termino P-Funk, George Clinton, le pidió al guitarrista Heddie Hazel, que toque ese solo como si su madre hubiese muerto. Y valla que funciono aquel truco, la guitarra suena estremecedora por momentos y de un sentimiento devastador.
El “P-Funk” representaba el viaje de la nave nodriza, encargada de llevar el funk a todas las galaxias del universo, comandada por el Dr. Funkenstein, alter ego de Clinton, cantante y líder del proyecto. Dentro de la llamada movida Psicodélica, el funk nunca tuvo el reconocimiento que debería haber tenido, sobre todo este disco en particular, que se mueve dentro del estilo como pez en el agua, mejor dicho, como nave en el cosmos. Seguramente el concepto central del P-funk, tiene mucho que ver con otro viaje, uno mental, provocado por el exceso del LSD, reconocido por los miembros de Funkadelic, y muy común por aquellos años.
Cuando finalmente me decidí a comprarlo en vinilo, me detuve en la foto interna de la portada, había un personaje que me llamaba la atención, me parecía haberlo visto en algún lado. Sin dudas lo había hecho, era ni más ni menos que Clinton, y la foto, era la misma que había utilizado unos cuantos años después Primal Scream en la contratapa de su disco “Give Out But Don't Give Up” Resulta que Bobby Gillespie de Primal Scream es fanático de la música de Clinton, quien trabajo como productor del disco.


Volviendo a Funkadelic, representa una parte muy importante en el rock, una mezcla de Soul, Funk y Psicodelia de las mejores que sean hecho, con un trabajo de voces conmovedor, si aún no escucharon “Maggot Brain” háganlo, no se van a arrepentir, pónganse el casco afro, relánjense en su nave sillón, y entréguense al viaje, es sin dudas es un disco fundamental para esta galaxia o cualquier otra. 

"El Dr. Funkentein"
Acuarela 2018.

viernes, 7 de septiembre de 2018

Marrissey


"Marr"
Acuarela 2018


Por estos días Morrissey acaba de lanzar una nueva recopilación en Spotify "This is Morrissey"
luego de su último disco de estudio del año pasado "Low in high school" el cual disfrute mucho.
Pero lo que si me gusto mas allá de la recopilación de Moz. Fue el lanzamiento de su antiguo compañero y archi rival histórico, Johnny Marr.  "Call the comet" es el titulo de esta nueva placa, que lo muestra para mi, en su mejor momento como cantante, ademas de su famoso uso de las 6 cuerdas, que tanto adoramos.
Los invito a escuchar un poco de estos dos, por separado, ya que seguramente nunca podamos volver a ver juntos.


"Moz"
Acuarela 2018.

domingo, 15 de abril de 2018

40 años de La Cura

"Robert Smith"
Óleo sobre hardboard

The cure esta cumpliendo 40 años de vida y lo festeja a lo grande.
Lanzando una versión extendida de "Mixed up" Con versiones remezcladas de viejos éxitos bajo el nombre de "Torn Down" mas un disco de versiones extras de 1982 a 1990.

en este link pueden escuchar las versiones extras.

El 7 de julio darán el único concierto europeo del año, también su líder declaro a la BBC que están trabajando en un nuevo material de estudio, luego de 10 años de silencio.
Ademas de curar el festival "Meltdown" con una lista de bandas de lujo.


También se espera la reedición extendida de "Wish"

Wish collage digital

Parece que Roberto y sus muchachos van a disfrutar de lo lindo, después de todo 40 años de carrera no se cumplen todos los días.
Ojala podamos tenerlos pronto por Latinoamérica.

lunes, 12 de marzo de 2018

Dos libros, dos voces.


"Bernard"
tinta 2018.

YA no sé cuánto más puede haber, para contar sobre Joy Division y su cantante y letrista Ian curtis. Pero como dice Simon Reinolds, la tumba del pop sigue siendo profanada constantemente, sobre todo por nuevos grupos, famosos faltos de talento propio, que no dejan de parodiar las glorias de otras décadas. Joy Division no es la excepción a esta regla, por ello es que el indie Rock ha dado tantos clones de los viejos Mancunianos en los últimos años.

Después de varios libros, documentales, biopics y ediciones recopilatorios de la corta carrera musical de Joy division. ¿Qué más se puede decir? Quizás no mucho más, pero lo que, si hay para contar, es sobre su segunda encarnación New Order. Surgidos de las cenizas del suicidio del joven y torturado Curtis, la nueva formación traería en la voz y las letras, a Bernard Sumner, además de seguir con la guitarra Bernar asume el puesto de Frontman. A partir de entonces nada fue lo que era, algunos fans acérrimos no aceptaron nunca el camino que tomo la banda de Manchester.
Y seguramente, una de las voces que deben ser escuchadas, sea la de Bernard, que durante mucho tiempo se negó a hablar de Joy Division e incluso a tocar sus viejas canciones. Seguramente no le fue nada fácil, superar la muerte de su amigo, suplantándolo en la difícil tarea de comunicarse con el público a través de la palabra. Durante muchos años, el músico se nego a escribir sobre su vida, pero finalmente en 2011 salió su autobiografía “New Order, Joy Division y yo en ella cuenta ese proceso de cambio, de una banda a otra, esa transformación inevitable en otra cosa. También la gestación de Joy, su trabajo en el estudio y en los conciertos. Pero además por primera vez, habla sobre su niñez, los padecimientos familiares, que son muchos, pero llevan a la cabeza uno en particular, el no haber conocido nunca a su padre. Un relato crudo directo, Bernie no se anda con vueltas sobre el asunto, y escupe todo de una buena vez por medio de un relato atrapante.
También habla sobre sus otros proyectos musicales “Electronic” y “Bad Lethenaut” y por supuesto de su pelea con Peter Hook, ex bajista de New Order y Joy Division. El viejo Bernard cuenta su visión del asunto, la cual Hooky no comparte en lo más mínimo. Creo que es un buen libro, que vale la pena ser leído, principalmente por los fans de sus bandas.

"Joy Division"
tinta 2018
Volviendo a la pregunta del principio, otra voz autorizada para hablar sobre el tema es Deborah Curtis, ex esposa del fallecido cantante.
En su libro, “Touching from a distance” que fue el punto de partida de la película “Control” de director Anton Corbijn. La cual refleja bien las palabras de la autora. Pero saltándose toda la primera parte del libro, donde se dedica a hablar sobre la niñez de Ian. Su amistad con Tony Nuttall. La admiración por su abuelo, y sobretodo su tía Nell, quien había sido modelo en su juventud, con quien tenía una relación muy estrecha y de complicidad. También cuenta sobre todo el proceso de gestación de Ian como estrella de rock, su fascinación con ídolos muertos y escritores. Su relación de pareja y su desenlace fatal.  
Tal vez lo más importante está en el final del libro, donde edita por primera vez escritos de su ex Marido. Letras de “Warsaw” “Joy división” y Canciones inéditas, y hasta un relato corto en prosa.
En ambos libros desfilan las mismas personas: Tony Wilson, Martin Hannett, Rob Gretton, Peter Saville, Terry Mason, Buzzcocks, A Certain Ratio, Krafwerk, Iggy Pop, David Bowie, Macclesfield, Hacienda, Factory… pero los dos relatos son totalmente diferentes e interesantes.


martes, 23 de enero de 2018

Una voz en tu cabeza


"Dolores"
tinta 2018

1993.
La primera vez que leí sobre "The Cranberries" fue en el número uno de la revista "Revolver". La nota estaba dedicada a nuevas cantantes. No era lo que se dice una crítica positiva, sino más bien, los dejaba muy mal parados. La crítica hacía hincapié en la falta de compromiso en las letras y en el riesgo musical. Ya que todas esas nuevas voces marcaban como influencia el Folk urbano.
Como yo soy un cabeza dura y además me gustaba mucho el video de “Dreams” compré el casette grabado, y la verdad es que me sorprendió, una de las cosas que más me gustaba era el carácter electro-acústico que manejaban en el álbum. Justo, otra cosa que la nota marcaba como algo negativo, ya que supuestamente aburría. A mí me encantaba porque salía del molde fácil del llamado rock alternativo de los 90, distorsión al palo, riff de guitarra, grito de carraspera, etc. Y, el otro punto, era el trabajo de las voces, una mezcla entre canto celta y balada pop, que cautivaba a cualquiera. Me parecía un trabajo de melodías sutiles y bellas. Algo que hacía falta para curar un poco la resaca del grunge, que venía dominando el mercado.
Para el segundo álbum, lo que a mi entender es su obra maestra, fueron más allá, y de la mano de su hit “Zombie” parecían contestarle a la nota. Una letra comprometida, contando su postura frente a un conflicto histórico de la lejana Irlanda. La música también se endurecía para la ocasión.
El disco y varias letras hacían referencia a una ruptura amorosa de su vocalista y letrista, Dolores O´Riordan. Superaba al primer álbum por mucho, y rápidamente treparon los charts, la fama y la gloria a los 18 años no parecen ser muy sanas. Y ellos supieron lidiar con eso durante un tiempo, como la constante comparación de parte de los medios con Sinéad O´ Connor, los rumores de anorexia y la separación de la banda.
Los discos que siguieron no me despertaron el menor interés, salvo por algún tema suelto.

2018
Me encuentro viajando a la costa, el día de mi cumpleaños, 15 de enero, cuando veo en Facebook la noticia de la sorpresiva muerte de Dolores a sus 46 años. Enseguida vienen a mi mente los dos primeros discos de The Cranberries, y sobre todo aquel video de “zombie” y su machacante “In your head…” esa puesta en escena religiosa, mezclada con imágenes reales de las calles de Irlanda, soldados, armas, el maltrato a los niños como tema central. Como supo padecer en carne propia la pequeña Dolores. La maldad cava profundo en un niño y a veces es imposible de sobrellevar, puede volverse una pesadilla constante. Decía en una nota tiempo después. A pesar de ello, fue valiente, se animó a escribir y cantar.
Por suerte las buenas canciones permanecen, nos acompañan, al igual que la voz angelical de O´Riordan que seguirá resonando en nuestras cabezas …en nuestras cabezas…


"Plegaria"
tinta y acrilico 2018

lunes, 22 de enero de 2018

Imágenes paganas

Empezando el año a lo grande, festejando mi cumpleaños con amigos.
E inaugurando una muestra de caricaturas, dedicada a mis ídolos del rock.
Gracias a todos los que lo hicieron posible. 
La muestra puede verse hasta el 24 de enero en la sala de exposición municipal, Complejo De la torre. Constitución 687. Pinamar.
















Una nota que di para Telpin tv, charlando sobre la muestra.

lunes, 18 de diciembre de 2017

Viaje de regreso


 "Viajeros"
tinta y digital 2017
(Primera idea del flyer descartada)


Primera parte:
“24 centavos”

Allá por agosto de 2001, mientras que el, por entonces, presidente De la Rúa conducía el país como un auto desbocado a punto de chocar, y una llamada telefónica costaba 24 centavos, la banda “Jaime sin tierra” presentaba “Auto chocador” lo que para muchos era su mejor disco.
Un amigo, Julián, me invitó a verlos en La Trantienda. Me grabó el cd, que me gusto de entrada, yo no conocía sus discos anteriores. Sí, los conocía a ellos, de vista, de cruzarlos en el Parque Rivadavia tratando de vender sus discos.
Para mi sorpresa, eran tan buenos en vivo como en el disco.
El show lo abrió “Séptimo Movimiento Ensamble” quienes eran los encargados de los arreglos de cuerda de aquel disco. Un show conmovedor, los músicos salían de entre el público tocando y se reunían arriba del escenario, el sonido se iba sumando desde varios puntos del recinto.
Jaime sonó bárbaro, lo que más me impactó fue la performance de Sebastián Kramer, su guitarrista. Me quedé con ganas de comprar el disco, pero eran momentos duros a nivel económico.
Finalmente, De la Rúa estrelló el país contra la realidad. Recuerdo el calor, los gases, las corridas, el limón en los ojos. La mano que alguien me tendió en aquella revuelta, justo cuando no podía ver nada, por los gases, me agarraron del brazo, y empezamos a correr. Nos refugiamos en un edificio de UTE. Allí vimos por tv como el Presidente renunciaba y se retiraba en helicóptero de la Casa Rosada.
Jaime sacó dos discos más, que a mi entender forman la trilogía indispensable en su discografía.


Flyer ganador


Segunda parte:
“El viajar es un placer que nos suele suceder”

12 y 13 de diciembre de 2017 “Jaime sin Tierra” anuncia un show reencuentro en La Trastienda. Enseguida sigo el evento en Facebook. Las entradas se encuentran agotadas, pero anuncian un concurso de flyers, donde el ganador se llevará dos entradas y un disco autografiado. Se me ocurrió una idea, pero estaba con poco tiempo para dibujarlo y poder mandarlo. Así que improvisé algo rápido, la idea era tratar de reflejar un poco el espíritu de ese disco, y sumar algo de otro: “Caja Negra”.
En este caso, el auto toma apariencia de ovni suspendido, abduciendo los secretos de este reencuentro contenidos en la misteriosa caja. El viaje siempre está presente en su obra, ya sea por aire, agua o tierra.
No tengo muchas esperanzas, hay varios flyers, algunos muy bellos, que tienen muchos likes. Silvana, mi compañera, me dice: ¡vas a ganar, vas a ver! Pero yo no era tan optimista, de todas maneras, lo mandé.
El 12 de diciembre me avisan que gané, y que me esperaban a las 20hs. en la puerta, para darme las entradas.
El viajar no representó un placer, en esta oportunidad, para poder llegar al recital. Las calles se encontraban colapsadas, había embotellamientos, bocinas y gritos por todos lados. Nos bajamos del colectivo y tomamos el subte.
El centro era un caos, calles cortadas, gendarmes, policías y vaya a saber cuántos uniformados rodeaban el Congreso. Si bien, este es un país, que, a mi entender, suele vivir en una crisis permanente, hay momentos en que esa crisis se agudiza y la gente explota, como parafrasea Nicolás Kramer en uno de sus temas clásicos. Éste parece ser uno de esos momentos, aunque muchos dicen que no está bien compararlo con el 2001. Creo que lo que le falta es el detonador final, que en aquella oportunidad fue el corralito. Pero las malas políticas económicas están, se repiten, la inflación, el desempleo, la suba de impuestos, el maltrato a jubilados, el desprecio a maestros, la quita de impuestos a empresarios poderosos incluyendo a sus propias familias, la represión, los gases, los golpes, las muertes y las detenciones innecesarias.
Finalmente, llegamos y pudimos ver un show que colmó nuestras expectativas. Buen sonido, buena puesta y por demás emotivo. Se nota como disfruta la banda arriba del escenario y el público debajo. Sin dudas, este sí, fue un viaje placentero, y el que disfrutamos por demás.
Jaime, lejos de chocar, nos lleva por paisajes sonoros, por momentos muy coloridos, como en “ Mismas estrellas” donde todos nos sumamos en una sola voz.
La fuerza de la guitarra de Seba, por momentos sutil y por momentos atronadora. La precisión en las teclas y bajos de Juan, y ese encantador xilofón, que de a ratos, suele asomarse, para acunarnos. La base impecable y creadora de climas de Javier. Y la entrega de Nicolás, y no solo en la voz y en la palabra, sino también en la rítmica.
Terminó el show y pudimos saludar a la banda, quienes amablemente me firmaron un ejemplar de “Auto chocador”.
Esperemos que este viaje de Jaime, no detenga su marcha, y siga recorriendo nuevos senderos, para que los seguidores viejos y nuevos, que se quedaron con ganas de verlos y escucharlos, puedan hacerlo. ¿Quién sabe? Quizás, este regreso hasta traiga un nuevo disco bajo el brazo.
También, esperemos que este gobierno pegue un volantazo, y detenga esa marcha desbocada y a contramano de las necesidades del pueblo. Pero claro, algunos no somos tan optimistas.




Alguien se tomo el trabajo de subir todo el show del 12 a youtube con la imagen del flyer,
espero lo disfruten.

sábado, 9 de diciembre de 2017

Remixsodisimos

"Remixados"
tinta y digital 2017

¿Tiene algún sentido la música sin el baile?
Para algunas culturas es inconcebible.

A penas seis meses después del lanzamiento de “Canción animal” Soda Stereo, decide lanzar un Ep, Con versiones en vivo de algunos de sus clásicos, más un tema nuevo “No necesito verte, para saberlo” un tema con marcada influencia de la nueva música bailable inglesa. Gustavo Cerati en coautoría con Daniel melero, anuncian lo que será una serie de trabajos celebrados tanto por la crítica como por el público en general. Así seguirían el aclamado “Colores Santos” y luego lo que para mí es el mejor, sino, uno de los mejores discos del Rock en castellano “Dynamo”
Por aquel entonces, los Soda, habían adquirido un equipamiento de sonido de última generación, que formaría parte de su propio estudio, Supersónico, y una buena excusa para probarlos era la grabación de los shows que brindaron en el teatro Gran Rex, para la presentación de su última placa. 
Allí quedo registrada una versión gloriosa de “No existes” hoy es posible ver imágenes de esos shows, gracias a la magia de internet.
También marca el comienzo, a viva voz, de la relación que tendría Cerati con la música electrónica o bailable, algo que, a mi entender, llega al punto máximo con “Plan v” un exquisito experimento instrumental. Proyecto paralelo de Gustavo, con tres colegas chilenos. Y por supuesto, el gusto de Cerati por las versiones remixadas, si bien ya habían hecho algo parecido en 1989 con “Languis” en Rex mix, queda un poco más explícito por donde vendría la mano de ahora en más.
Luego repetirían algo parecido con “Zona de promesas”


Algunas imágenes y sonidos,
que pueden hacerte mover el cuerpo.
O al menos la patita.