Rockolor

Con esta pintura, doy por empezada la nueva serie "Rockolor" basicamente son rockeros pintados al Óleo.

"Jim y William Reid"

Óleo sobre hardboard 2014

"Jim y William Reid" Detalles

Óleo sobre hardboard 2014

Estrellita mía

"Mazzy Star"

grafito y digital 2014

Más allá de la noche

En la que vives tu estúpida vida

Millones de personas

Lamentarán la rotura de su corazón

Recordarán un cielo cargado de estrellas

Y el sol del verano…

Las flores, se marchitarán

Dentro de ti, durante un caluroso diciembre

Mientras danzas, danzas primales

Alrededor de un cisne imaginario

Como en sueños

Y cuando abras tus ojos...

Te encontrarás desnudo al sol

Con la imagen de esa chica

Sola, diminuta ante tanto desierto

Con el peso del cielo sobre sus hombros

Y esa melodía que repite caprichosamente en su cabeza:

“No te rindas, una estrella brilla para vos”

Ariel tenorio 2014.

Hombre Guitarra

"Pappo"

grafito 2014

Que sea Rock (si es nacional mejor)

Corría el año 76, la dictadura militar comenzaba su historia más nefasta y  sangrienta, por entonces  yo  tenía  13 años y comenzaba la escuela secundaria en la querida Industrial. En la adolescencia es donde uno elige la banda de sonido de su vida y si bien mi oído era amplio, no tarde en sentirme identificado  con el rock nacional o música progresiva (como se la llamaba en aquellos tiempos). Compartía dicho gusto con un puñado de compañeros con los cuales  intercambiaba opiniones  acerca de las bandas, sus influencias y si bien no había tanta información trataba de conocer acerca de las bandas fundacionales del rock en castellano. En esa retrospectiva di con 2 discos de Pappo Blues Uno y Dos de los años 71 y 72 que tenían temas como: El viejo, El tren de las 16, Desconfió, El hombre suburbano y Donde están las libertad. Aquella formación con Black Amaya y David Lebón.

Pero fue en los 80 cuando pase al turno noche para poder  trabajar  y conocí al entrañable “Tano Rolando” que descubrí la verdadera dimensión de  Pappo, el me acerco el disco Aero blues (Pappo Alejandro Medina y un batero brasilero, Junior Castello).Recreo tras recreo me hablaba del virtuosismo del Carpo con la guitarra.

Eran tiempos difíciles para el país y la música era un lugar donde refugiarse. En los comienzo de los 80 Napolitano forma su segunda gran banda Riff (Michelle Peyronel, Boff y Vitico, luego con Oscar Moro y Jaf )donde deja el Blues y se acerca al Hard Rock y al Heavy Metal.

Ese verano del  81 de vacaciones en Santa Teresita, (allí vive mi hermana mayor).Con mi sobrino Marcelo al cual le llevo un par de años y compartimos los gustos por la música. Recorrimos la costa  en busca del primer cassette de Riff (Ruedas de metal), recuerdo haberlo encontrado en una pequeña disquería  Hippona de San Bernardo, ese verano descubrimos el Heavy Metal, fue por entonces que Marcelo se transformó en ¨Billy¨, apodo que aún conserva. Se identificó tanto con Riff que no paraba de escucharlo y más de una tarde nos encontró cantando desafinadamente frente al mar.

Llego el 82, los milicos acorralados por los reclamos de justicia y el clamor popular, dan un manotazo de ahogado para mantenerse en el poder  y deciden recuperar Malvinas.

Por ese entonces yo estaba en quinto año y me llego la carta para entrar en el servicio militar. Fui movilizado. Malvinas fue una etapa muy Heavy, que la dejo para otra ocasión.

 Al terminar la guerra vuelvo a la Indu, me reencontré con los compañeros y entre ellos al querido ¨ Tano¨ Rolando, por ese entonces en la radio se escuchaba solo música nacional y los recitales fueron el bálsamo y la descarga de aquellos tiempos difíciles. La guitarra de Pappo en Riff sonaba cada vez más transgresora e inigualable. Hasta convertirse en mítica.

Los 90 lo encuentran a Pappo solista, tocando con capos como B.B King y Mick Taylor, que no escatiman  elogios y lo consideran como uno de los mejores violeros del mundo.

Llegando a la masividad y el reconocimiento.

En el año 2005 estando de vacaciones en la costa fue la última vez que vi a Pappo, estaba como músico invitado de Ratones Paranoicos en un recital en Mar de Ajo y entre aquella multitud, con unos cuantos años de mas, Billy y yo desafinando  frente al mar nuevamente.

Un par de semanas después muere Pappo en una accidente de moto camino a Lujan.

 Me encuentro con mi amigo Coco quien me cuenta que por ese mismo tiempo había muerto el “Entrañable Tano Rolando”. Qué paradoja pensé, una sensación de tristeza me invadió, para resignarme pensé, seguro no quiso perderse el encuentro entre Pappo y Jimmy Hendrix.

Daniel Tissera 2014.
Dedicado a la memoria del Carpo y el Tano. 

Ayer nomás

"Hoy"

Tinta y digital 2013

Ayer nomás, una joven adolescente sostiene un vaso de cerveza, con la otra mano revuelve su cabello, cual terciopelo color oro, mientras baila al compás de un insistente estribillo, sabiendo que todos la miran contornearse como si fuera un ángel aburrido, que bajo a la tierra intentando divertirse un rato, como un simple e imperfecto  ser humano, en una improvisada fiesta juvenil, lo único que piensa es: “Quiero ser adorada” como lo que busca la mayoría de los mortales en algún momento en mayor o menor escala.
En otra punta, un joven piensa exactamente lo mismo, coreando el mismo estribillo, tocando una guitarra imaginaria al compás de la música, y soñando despierto lograrlo por fin, con la ayuda de su nuevo bajo Fender Jazz bass. La banda que suena acaba de sacar su esperado segundo disco, con el que al poco tiempo se despiden de la escena, el joven se siente fascinado, tanto por ese sonido embriagante de la banda, como por la joven blonda, a quien no puede dejar de mirar y con quien sueña poder conquistar.

Veinte años después, el joven peina canas, si bien no logro ser adorado como estrella de rock, ni conquistar a aquella rubiecita, no se queja y se siente a gusto con su vida, vuelve a hacer música, la banda está de vuelta con su formación original, prometen disco nuevo y una gira mundial, el joven vuelve a soñar con poder ver en vivo a sus adorados idolos, mientras tanto se estrena la película “Made of Stone” que muestra los ensayos del mítico regreso de los hijos pródigos de la lejana Manchester. 

"Ayer"

Grafito y digital 2013

Los reyes del Ocio

" Blur 1993, reyes del ocio"

grafito 2013

Mucho antes de que Blur triunfara mundialmente con su Parklife  y que su pelea mediática con sus archienemigos de Oasis, llegara al hartazgo de muchos, o por lo menos de mí, los chicos de Colchester,  se daban a conocer con “Leisure” (Ocio) un disco que prometía y mucho, algunos pensaban que no se llegaban a definir en un estilo, en un suplemento leí que era un disco confuso, quizás sea cierto, era como que no se entendía, si querían ser una banda Baggy o no, o sea una banda “Manchestereana”  como solían decir en algunos medios gráficos de aquellos días, desde el tratado de las guitarras, que en ciertos temas estaban mucho más al frente que cualquier banda de la movida de Manchester, pensaríamos que no, quizás exceptuando a Stone Roses y su cátedra de la guitarra al servicio del hombre, a cargo de John Squire. Pero si en el uso de las voces y los teclados, la base rítmica también era por momentos más potente que las bandas de dicha movida. El uso del slide en  “Theres no oder way” por ejemplo no tenía nada que que ver con el género,  pero si la batería.  Otros decían que el disco estaba a mitad de camino entre el Madchester y el Shoegaze, y que no era ni chicha ni limonada, como vulgarmente se podría decir, pero lo cierto es que poco importaba, porque el disco en si más allá de los críticos, logro un respetado espacio mundial.  Quizás esas mismas criticas erróneas hicieron que los chicos fueran más atrás en sus gustos musicales y les dieron un empujoncito para el camino que tomarían en “Modern life is rubbish”  y su conjuro del orgullo Britanico, lo que los dejaría a un paso de su consagración con Parklife, de la mano de “Girls and boys”. Para mí “Leisure” es el mejor disco  de la banda, que sigue sonando fresco y espontaneo a pesar de sus 21 años de vida.

Peluson

"Luis Alberto"

Acuarela 2013

BELLEZA CREPUSCULAR
LUIS ALBERTO SPINETTA: PELUSON OF MILK (1991)

En 1991 Luis Alberto Spinetta editó Peluson of Milk, un álbum elogiado tanto por la crítica como el público, cuyo título estaba inspirado por el nacimiento de Vera, su hija menor. Este era un trabajo luminoso que daba cuenta de un gran momento personal y compositivo de este artista enorme, el reflejo de un viraje en su carrera que mostró a un Spinetta casi “de entrecasa”. Además, este disco, el último de Luis editado en vinilo, estaba repleto de hermosas canciones, y  por eso luego sería reconocido como uno de los mejores álbumes del rock nacional de los ´90. Peluson… era una obra íntima, un material pergeñado casi en soledad, en el que Luis -de la misma forma que lo había hecho anteriormente en  los recordados Artaud y Kamikaze- se hizo cargo de casi todo el armado del disco, ejecutando él solo varios instrumentos a piacere. A propósito de esto, una vez le pregunté en una entrevista a Guillermo Arrom, el guitarrista del Flaco de 1986 hasta 1993, por qué Spinetta había hecho Peluson of milk más en plan solista que junto a su banda, como lo venía haciendo desde la época de Prive (1986). Según Arrom, esto se debió a que “la banda había quedado desarmada a partir de un show en La Plata (en 1990), en donde Luis sufrió un shock eléctrico. Sin embargo, yo participé de la grabación de un montón de temas del disco, como “Ganges”, “Cielo de ti”, “Hombre de lata”, “Panacea” o “La Montaña”. Bueno, luego de que Luis decidió desarmar la banda, como yo necesitaba trabajar, me puse a tocar junto a Fabiana Cantilo. Sin embargo, él volvió a reunir a la banda para un show más –como para dar un cierre a esa etapa- en mayo del ’93, en Los Angeles.”

LAS CANCIONES:

Peluson of Milk tenía momentos de plena calma celestial en temas como "Panacea”, “Cielo de ti" y "Jilguero". En estas canciones se destacaba la voz de Spinetta, a quien podemos escuchar solamente acompañado por su guitarra acústica. Sin embargo, estas canciones eran la excepción en un disco en el que, más allá de la soberbia interpretación vocal de Luis y sus guitarras con mucho chorus, sobresale el uso del sequencer, los samplings y de circunstanciales sonidos de sintetizadores, que guiaron las melodías de los diferentes temas. Sin dudas, la canción más recordada e inesperado hit radial de este álbum fue "Seguir viviendo sin tu amor", dedicada por Luis a Patricia Betty Salazar, su pareja de entonces y madre de sus cuatro hijos. Esta debe ser una de las canciones de amor más hermosas compuestas jamás en el rock argentino, con una letra para nada cursi que expresa tanto las típicas crisis cotidianas –en las que se incluyen tanto las peleas como las reconciliaciones- que atraviesan una pareja a través de los años, así como el profundo amor que unía a los dos protagonistas de esa historia. Esta canción también tenía un video clip muy recordado en el que el rostro de Spinetta era iluminado por unos rayos láseres mientras éste la cantaba frente al típico micrófono de condensador, infaltable en los estudios de grabación. Por su parte, en esa obrita críptica llamada "La Montaña" se relataba, en forma casi onírica o “volada”, la lucha de su protagonista por defender "su" montaña. Es para destacar, acá también, el video clip de la canción en donde descubrimos al final que la frase “trepen a los cerros, ya llega la Aurora” se refiere a la llegada de una heladera (!) Como si fuera otro chiste de Luis, quien siempre se destacó por su humor rápido y filoso al que conjugaba tan bien con todo el lirismo y originalidad de su persona. "Cada Luz" era un bello y tranquilo tema dedicado a Vera, su hijita recién nacida. En "Lago de Forma Mia", una balada electrónica muy acertada, Luis se daba un pequeño “lujito” haciendo aparecer la voz sampleada de su admirado Tangalanga. Por otro lado, la poesía hermética y cerrada de Spinetta se hacía presente en "Domo Tu","Ella Bailó" y "Pies de atril", ésta última una canción inspirada en la figura del longevo emperador japonés Hirohito. Mientras que "Ganges" sonaba como un tema pop muy elaborado, en "Bomba Azul" y "Cruzarás" renacía esa forma en que Spinetta mezclaba sus dos mundos músico-lirico en los ´90: lo acústico y la máquina. En “Hombre de Lata” la “denuncia” de la letra hacía los seres vacios de esta era post moderna llegaba por medio de una crudeza sonora que crispaba los nervios y ponía la piel de gallina. Luego, Peluson of Milk concluía con un inspiradísimo y sutil tema llamado "Dime La Forma" que, con su impronta jazz y pop, recordaba un poco al material de Spinetta Jade de principios de los ´80. Una “forma” ideal (valga la redundancia y humorada…) de finalizar un disco hermoso e inolvidable.

Emiliano Acevedo 2014.

El último moderno

"Federico Moura"

grafito y digital 2014

Creo haber escuchado la frase “Hay que salir del agujero interior” cantada por mi tío insistentemente, cuando era muy chico, claro que por aquel entonces, yo no sabía quién era virus, mucho menos Federico Moura, pero empecé a repetir aquel estribillo sin entender realmente que querían decir aquellas palabras, tiempo después, una mañana de domingo, caminando por la feria de Monte Chingolo, me topé con un cassette “Virus Grandes Éxitos” que escucharía hasta el hartazgo, si bien el arte de tapa no me gustaba (una foto de su vocalista con un saco blanco, micrófono en mano, en pleno show) la frase “Grandes éxitos” me sugería que iba a conocer gran parte de su obra, y así fue.

Más adelante el primer disco que escuche entero fue “Agujero interior” que me lo presto mi amigo Coco, una imagen y sonido más rockero, con una foto sugerente, imagen movida, con sus camperas de cuero estilo ramones,  luego escuche “superficies de placer” que me lo presto otro amigo Javi, me gustaron los temas, un poco más densos por momentos, y la tapa me parecía genial, con ese culo oscuro en primer plano, que nos traía la voz de Federico, por última vez al frente de la banda. Pero llegue al disco que más me gusta “Locura” muchos años después, creo que es el más parejo, es un disco que me gusta entero, el arte de tapa me encanta aún más que el de Superficies, una ilustración de estilo ochentosa, que me recuerda a los posters pagsa, un estilo de imagen que adornaba las habitaciones de los adolescentes por aquellos años. La voz de Federico, ese ser etéreo, que parece haber venido del futuro, para deleitarnos, con su encanto vocal y su imagen andrógina, se luce realmente, con esa ambigüedad que lo caracteriza, quizás, el tipo con más sutileza del rock argentino, creo que el adjetivo más adecuado para su voz, y que va más allá de su imagen,  es elegante…una voz elegante.  Que maneja los silencios y la pronunciación como ningún otro.

No entiendo por qué, la prensa, insiste con la influencia de Virus en bandas como Miranda, y como podemos reconocer su sonido en estos  supuestos “nuevos modernos” la verdad es que,  no veo nada de moderno en Miranda, sino más bien, un revival de estilos o estéticas pasadas, una obsesión por el melodrama telenovelesco de los 80, con Los hermanos Pinpinela sonando de fondo, versionados por el agudo insoportable de Ale Sergi , coronado por la escuálida guitarra de Lolo.  No veo ningún tipo de riesgo en sus canciones, como si las veo, en las de  los hermanos Moura, donde todo estaba por hacer en nuestro pais,  con respecto a la música hecha con sintetizadores. En definitiva nunca lograron sorprenderme, como sí lo hicieron, en algún momento, sobre todo en sus primeros discos,  Los babasónicos, otra banda muchas veces comparada con virus.
  

Hace unos días, escuche por primera vez, gracias a la magia de youtube “Relax” que nunca había escuchado entero, debo decir que esta banda, si, nunca deja de sorprenderme, sin dudas, fueron los primeros modernos, tipos adelantados a su tiempo, claro que esto no es ninguna novedad, pero no está mal volver a repetirlo, podemos citar la frase de sus vecinos de La plata, para definirlos “El futuro ya llego, hace rato” y también ya se fue.

Joey

Mientras esperamos la edición en castellano del libro  “I Slept With Joey Ramone”, Escrito por Mickey Leigh, hermano de Joey Ramone y el legendario escritor punk y cronista de los Ramones Legs McNeil, celebramos su vida con este dibujo y las Palabras de una amiga: La India Strummer, Ramonera de alma.

"Joey"

grafito y digital 2014

… Los Ramones salvaron mi vida… (Diría Carlos Rodríguez, también conocido como Nekro, Boom Boom kid o Voon Van Kinder)

 Al elegir sobre la música o cualquier otra manifestación expresiva me he dado la oportunidad de sentir, que toque cada filtro interno (de esos tubitos viaductos de sangre)… esos que les llamamos venas. Es por eso que en la búsqueda de esos sentires anteriormente detallados sin demasiada fosilización para explicarlo, me encontré con Los Ramones.

A pedido del artista que lo retrata, voy a escribir un poco sobre Jeffrey Hyman (Joey Ramone) Aquel flaco lungo y miope, único e irrepetible, con ese color de voz que puede viajar tranquilamente por las oscuridades e invadir con dulces baladas, o putear en su defecto. Aquel gran degustador de lo raro, quizás extravagante para la época como fueron los New York Dolls, o The Stooges.

 En los Ramones (banda que forma Tommy) los 3 acordes eran Jonnhy y algunas de las más famosas letras eran de Dee Dee, pero los tipos, sin saberlo, imprimieron en la estética su fina estampa de camperas de cuero jeans y zapatillas rotas. Tres acordes que alejaron al rock and roll de la época de esas sinfonías distorsionadas que duraban 135 minutos (a veces menos…). 

Con los pies casi pegados al escenario este frontman medio desgarbado y torpe, de lentes y pelo oscuro, que murmuraba al hablar y que muchos intentaron hacerlo pasar por tonto, pero para desgracia de aquellos,  no era uno más. Marcó un antes y un después en la historia del rock. ¿Que más puedo decir?

…“Éramos reales. Éramos únicos. Somos cuatro individuos únicos. Es una cuestión de química. Es un fuerte desequilibrio químico. Los opuestos se atraen y esa mierda...” Joey Ramone (1951-2001)

India Strummer  febrero2014.

Perversos

"Perversos"

grafito y digital 2014

"El problema con el éxito es que se convierta en lo que detestas" vocifera mike edwards en “The right decisión”, despegándose de la explosión de la fama que lograron con doubt, como excusándose de haber logrado lo que ansiaba y no como lo idealizaba. Nada mejor que llamar “Perverse”, a un disco que iba a desafiar y corromper las costumbres o el orden y estado habitual de las cosas, aun sin esperanzas de éxito, y a finales de 1991 y 1992, lo aceptado y vendible era el grunge o el britpop. Mientras que ellos respiraban y adoraban noches eternas de acid house y el florecer del big beat, Totalmente ninguneado y menospreciado por la prensa.

Así nace, mi disco preferido de ellos, con la idea de un disco de rock clásico leído en el dormitorio por un músico techno, Como una versión de “The fat of the land” (1997) de the Prodigy en pleno proceso de alimentación (1993), se le atribuye ser uno de los primeros, sino el primer disco de rock en estar íntegramente grabado digitalmente, con todos los instrumentos digitalizados y tocados desde un teclado.

Ellos mismos se presentan como músicos virtuales, nombrados entre rangos de frecuencia y/u omnipresentes. El resultado es un maravilloso disco que parece no tener ancla en el tiempo y ser cada día más actual, 12 canciones con una constante aura techno, el destino de furia de Sonic youth , y cintas de canciones tradicionales libanesas donde los ceros y unos continúan trayéndote acá, varios años después.

Maximiliano Ge,  febrero 2014.

El regreso del Chamán

"Atlánticos"

grafito y digital 2014

Seguramente el grupo más original del nuevo, y por qué no de todos los tiempos de nuestro rock argento, hayan sido los brujos, aquellos muchachitos del sur del gran Bs.As. Que enfundados en coloridos vestuarios, que cambiaban en cada presentación, hacían el deleite de toda una nueva generación de rockeros, con sus enérgicos recitales, donde público y banda, volaban por el aire y se retorcían sobre el piso liso de algún antro donde se presentaban, con el tiempo fueron cobrando popularidad, hasta llegar a sus presentaciones televisivas, nadie entendía que estaba pasando,  parecía como si nos invitaran a movernos, saltar, bailar de cualquier manera, el fin era transmitir y contagiar energía corporal a través de la música.

Llegaron a su primer disco “Fin de semana Salvaje” de la mano de Daniel Melero, que los convenció de grabarlo en un fin de semana, cuenta el mismo melero, que les hizo creer que estaban probando sonido, y los grabo sin avisarles, para captar la energía real. Si bien un disco nunca logra captar lo que una banda transmite en vivo, se acerca bastante. Después vendría “San Cipriano” su segundo disco donde Melero les conecto micrófonos en todo el cuerpo, para captar todos los instrumentos desde diferentes lugares. Y por último aparecería “Guerra de nervios” con mucha más producción que los anteriores, esta vez producido por Gabriel Guerrisi, con 400 horas de grabación y muchos invitados.

Luego de su separación en 1998, seguimos esperando una reunión, que nos vuelvan a embrujar con su sonido Beatcore. Parece que al fin se concretaría este año, ya hay un faceboock de fans:    https://www.facebook.com/QueVuelvanLosBrujos  y una página oficial: http://despiertacronopio.com.ar/ 

Preparen sus bermudas, la fiesta vudú esta por comenzar…

El contorsionista

"Rey Lagarto"

tecnica mixta 2013

La imagen de un contorsionista, es lo primero que se me viene a la cabeza cuando recuerdo aquel recital de Iggy Pop en Obras, teloneado por Los Brujos, que supieron calentar el ambiente, para el otro rey lagarto del rock, visito nuestro país en 1992 y allí fui, sin conocer demasiado de su obra, solo había escuchado el primer disco de los Stooges, aquel producido por Jonh Cale, que contenía entre otras joyas la destartalada “IWana be your dog” con ese piano incesante, que nos machaca la cabeza al compás de los gritos del por entonces joven lagartija, y su disco que venía a presentar por aquellos días “Brick by brick”, con temasos como “Home”, “Living on the edge of the nigth” y la hitera “Candy” con la voz de Kate Pierson , algún tema suelto como “The passenger” y no mucho más.

Lo cierto es que, a pesar de haber escuchado muy poco Iggy, me dejo sin palabras, no podía creer la forma de moverse de aquel señor, no paraba se saltar, revolcarse, contornearse,  quebrarse como un personaje de una pintura cubista de Picasso, no paraba de doblarse y revolear esa guitarra acústica, cada vez que la tocaba en algún tema, recuerdo que un amigo agarro un pedazo del micrófono que revoleo al público, lo enmarco y lo colgó en su pieza.

El contorsionista, no paraba de agitar, se colgaba por las vigas del estadio, se colgaba cabeza abajo sosteniéndose con sus piernas, cual mono enjaulado. Nos sacudió la cabeza un buen rato, nos dio una clase de furia escénica y se fue reboleando su micrófono, en cuero, con sus jeans rotosos y su aire despreocupado.

Muchos dicen que fue el inventor del punk, mucho antes de que el punk existiera como tal, es verdad que fue cambiando de aquel primer joven revoltoso, al más refinado producido por Bowie, camaleónico, mas rockero  o mas popero, cada tanto metiendo algún hit, pero siempre manteniendo su esencia. Eso no puede decirse de muchos artistas. Creo que la imagen que describe de manera drástica la carrera de iggy Pop, es esa foto, en la que se lo ve de joven, parado sobre una multitud, desafiante señalando al frente, como un barco, que piensa arrasar con las olas sin que nada pueda detenerlo.    

"El joven contorsionista cubista"

tecnica mixta 2013

Definitivamente tal vez

"Oasis"

Tinta y digital 2013

Hoy quiero recordar otro disco de los queridos 90, con el que, los nuevos Cain y Abel del rock ingles se daban a conocer, disco que el año que viene, está cumpliendo sus primeros 20 años, el inquietante y energético “Definitely maybe” de Oasis, la carta de presentación de esta banda, oriunda del gris Manchester, tierra de tantas leyendas del rock, era una carta fuerte,  contundente, un bloque de guitarras potentes, y unas melodías que recordaban y repasaban, a las glorias de décadas anteriores, temas que citaban a The Who, T.Rex, The Kinks, Sex pistols y hasta los mismísimos Beatles.

La primera nota que leí, sobre los hermanos macana, fue en la revista Revolver, donde no quedaba en claro, si la crítica era positiva o negativa, igualmente compre inmediatamente el casette pirata, en el parque Rivadavia, me conquisto a la primera oída, fue como una cachetada de puro rock clásico, como si alguien nos dijera dejémonos de joder con el pop, y volvamos a las raíces, si bien las referencias son obvias, las canciones tienen su propia identidad, sonaban totalmente originales y con un sonido actual, claro todas aquellas influencias, de los 60 y 70, también estaban atravesadas por influencias de los 80, como sus vecinos The Smiths y Stone Roses, de los cuales Noel Gallagher era un admirador  declarado, sobre todo en el tratado que estas bandas les daban a las guitarras.

Con Oasis y este disco debut, sentí, que por fin, estaba viviendo una verdadera revolución sonora, con una banda contemporánea, la mayoría de mis bandas favoritas, habían tenido su momento de gloria, unos años antes a mi adolescencia y algunas ya ni existían.
Este sentimiento duro hasta su segundo disco, con el cual lograron conquistar el mundo, el celebrado (What's the Story) Morning Glory? pero ya en el tercero “Be here now” con el que pudimos verlos por primera vez en nuestro país, empezaron a dejar de interesarme tanto, recuerdo salir del Luna Park con un zumbido en los oídos, parecía como si la guitarra de Noel, quisiera que nos vayamos con nuestras orejas desangradas.

Para mi “Definitelly maybe” es un disco que no envejece, cada escucha,  es como leer un manual, que nos vuelve a recordar que esto, definitivamente tal vez “Es solo rock and roll pero nos gusta”    

Primera visita al pais de los hermanos macana.

chau Lou

"Black angel death song"

grafito, tinta y digital 2013

“Lo primero que aprendes en la vida es a esperar” soltaba el joven Lou Reed, en la estrofa de Im waiting for the man en aquel primer disco del famoso plátano de la Velvet.

Si hay algo que no hizo Lou, fue justamente quedarse sentado, a esperar su muerte. Multifacético y muy productivo, nos dejó una obra inmensa. 

Gracias por la poesía y la música, personalmente agradezco aquel recital que diste el 14 de setiembre de 1996, en nuestro pais, donde pude verte en vivo, jamás olvidare aquella noche, en que el chico que tenía al lado,  parado sobre su butaca, no paraba de revolear su remera coreando Walk On The Wild Side.

Programa del show

 aquella noche mágica

Sweet George

 "My sweet George"

lapiz y digital 2013

Hoy recordamos a un grande, con este concierto celebrando su vida y obra, si no lo vieron no se lo pierdán, también recomiendo la pelicula "Living in the material worl" de Martin scorsese, un documental sin desperdicios, que recorre la vida de George Harrison de punta a punta.

The 13th

 Fanzine en el que participe con unas ilustraciones:

Tapa

Contratapa

les dejo el link para que lo lean! 

http://issuu.com/the13thfanzine/docs/the13th_fanzine_numero_4

This is Hardcocker

"Hardcocker"

Tinta y digital 2013

De costado y como quien no quiere la cosa, se asomaba, entre la pelea mundial de Oasis y Blur por el trono del pop británico, un joven flacucho dueño de una pluma sagaz y filosa, que apuntaba a la lucha de clases en las islas británicas, comandando su banda Pulp, llega a los primeros puestos con su quinto disco de estudio  “Differents class”,  con temas geniales y unos videos cargados de ironía como “Comoon People” o “Disco 2000”. De esta manera el joven Jarvis Cocker  accedía a lo que siempre había soñado, pertenecer al mundillo de celebridades británicas, de pronto lo invitaban a todas las fiestas, los programas de entretenimiento, estrenos, entrega de premios y demás pedorradas del pomposo mundo del espectáculo.

Pero claro fiel a su inconformismo, aquello empezó a fallar, los excesos y la partida inesperada de su guitarrista, generaron una crisis en la banda y sobre todo en su mentor, quien empezaba a darse cuenta, que aquella pomposidad que siempre había deseado era pura mierda vacía, se propuso salir de aquel mundillo de falsedad, con un disco oscuro,fuerte y directo, que apunte directamente a todo aquello que ya no le parecía divertido.

Comencé a hacer música gracias al punk, siempre había estado afuera, ahora que estoy adentro de algo, quiero salir. Mi materia prima es la vida verdadera, declaraba por entonces el chico de Sheffield.

This is hardcore se edita en 1998 y deja atónitos a más de uno, con su nueva mirada al stablishment , carga contra todos y todo, incluso Hollywood, arremete con un video cinematográfico, donde se da el lujo de usar decorados de Alfred Hitchcock, sin dudas, el disco de Pulp, insuperable a mi entender,  su sucesor "We Love Life" fue editado en 2001 y pasó sin pena ni gloria, debido a las bajas ventas, la compaña les rescindió el contrato, luego de un tiempo la banda se disolvía, el muchachito que decía no ser Jesucristo, a pesar de llevar las mismas iniciales, encaraba una carrera solista, mucho más tranquilo y con otra visión sobre el mundo.

En el 2012 reunidos nuevamente, visitaron nuestro país  y brindaron un show excelente, el cual a pesar de no poder asistir, pude disfrutar por internet, con el confort que nos brinda el mundo moderno.

  

Electronauta

"Electronautas"

tinta y digital 2013

Recuerdo a mi hermano mayor soltar la frase, que quedo como la frase graciosa que repetíamos cada tanto: “No, se ablandaron, esas son las manos de Melero”, luego de escuchar pegados al equipo Electronauta,  primer disco de Juana la loca que esperábamos ansiosamente, desde hacía un tiempo, ya habían editado Los brujos, Los Babasónicos y Martes Menta, bandas que seguíamos con mis amigos, pero faltaba claro la que más nos gustaba, solo teníamos como referencia Autoejecución, un cassette grabado en Catalogo incierto, (sello de Daniel Melero ) que había llegado a nuestras manos por mi primo, allí habían registrado la poderosa “Paisajes trágicos” tema que pedíamos siempre en los bises de los recitales, la oscura “Cándido conejo azul” y la experimental “Del otro lado de la psicosis” con guiños a Bauhaus.  Aparato Ruido, otro cassette,  que contenía un tema que me gustaba mucho llamado “Adicción” con un arreglo de incesante wah wah, ese  cassette  venía con una revista y compartían un lado con Suarez, la banda de Rosario Blefari.

Era increíble el sonido pulido que habían logrado en el estudio, con Electronauta, por fin entendíamos que decían algunas de sus letras, el sonido cuidado de la guitarra de Roberto Pascuale era genial, las baterías potentes de Aitor Graña, con su estilo tan particular de tomar los palillos, junto a los precisos bajos de Gastón Capurro, formaban una base impecable, sobre todo en “Mercurio” donde se destacaban, Sebastián Mondragón desde las programaciones y los teclados también aportaba lo suyo. Y por supuesto,  la voz y la guitarra de su líder Rodrigo Martín, coronaban este maravilloso debut discográfico. Tal vez algunos piensen que exagero, pero como siempre, escribo a partir de mi experiencia personal, y  la verdad es que  nunca volví a escuchar un disco Nacional con tantas expectativas y que me dejara tan contento.

Los temas que me encantaban como habían quedado grabados eran “Lo más tierno hoy”  y “Jalea de flor”, me sorprendieron con la bella “Periquito gomaespuma” un  tema instrumental  con un ambiente de ensueño, por momentos  con aires a Cocteau twins y que cerraba maravillosamente el disco, “Pensando como langosta”  fue otro tema que me sorprendió, con una letra muy corta, una frase que se repetía constantemente…“Y al fin puedo verla flotar”  y una base poderosa, canción que nunca la habíamos escuchado en vivo, hasta que Fuimos a la presentación oficial del disco estábamos emocionados, Gastón nos había dado algunas invitaciones, dieron un gran show, donde compartían la noche con “Los caballeros de la quema” la otra banda que lanzaba el sello Iguana records, y donde presentaron el video de Autoejecución.

Un viajero eléctrico que ya está cumpliendo sus 20 años, sin dudas, todo un clásico, y como tal, no envejece con el paso del tiempo, sino que mejora a cada escucha.

Envaselinados

"Vaselines"

tinta y digital 2013

A mediados de los 80, dos jóvenes escoceses,  inquietos y creativos  deciden formar un dúo musical, la bella, de aspecto aniñado Frances Mc Kee y el alto y flacucho Eugene Kelly, primero los dos en  guitarras y voces, e  influenciados principalmente por Velvet Underground, luego se sumarián otros dos músicos, James Seenan en bajo y Charles Kelly, hermano de Eugene, en batería, ambos ex-integrantes del grupo local Secession. Deciden hacer varias grabaciones que no tienen un gran éxito comercial,  sin embargo, unos años más tarde, todos nos preguntábamos quienes eran estos personajes.

Ya en las primeras entrevistas de Nirvana Kurt Cobain, no dejaba de decir que su mayor influencia, a la hora de componer, era una banda escocesa, que ya estaba separada llamada The Vaselines, sus compañeros  contaban  que durante las primeras giras, siempre llevaba sus casettes de esta banda y que se los hacia escuchar a todo el mundo, así Nirvana grabo tres temas de los hijos de la lejana escocia, en el disco "Incesticide" registraron “Molly´s lips” y “Son of a gun” y luego en el lacrimoso Unplugged de MTV tocaron una linda versión de "Jesus Doesnt't Want Me For A Sunbeam" de esta manera los Vaselines tenían un reconocimiento tardío, ya que la banda estaba disuelta hacía varios años, también se sabe que Kurt, bautizo Frances a su hija por Mc Kee .

Yo llegue a ellos por el músico Marcelo Montolivo, que me los recomendó en la disquería Fenix de la galería bond Street, le compre un compilado llamado “the way of Vaselines” que había editado el sello SubPop, el mismo que ficho a Nirvana.

Por estos días, se encuentran trabajando juntos nuevamente, acá les dejo una versión, de un tema de los chicos de Aberdeen, que grabaron para un cd tributo. 

Sonidos Santos

"Cerati/Melero"

tinta y digital 2013

Ariel Tenorio.

Vueltas por constelaciones lejanas

  

Dos años antes de tener mi primera guitarra eléctrica y tocar mis primeros acordes, grabé un disco: Constelaciones. Nos pasamos horas con Mariano, un amigo, improvisando canciones con un teclado Casio o Yamaha (básico, pero que tenía una opción para grabar una secuencia de sonidos, una especie de sampler muy rudimentario) y algunos instrumentos de percusión. Eso fue a principios del año 1992. Un tiempo antes había salido el disco Colores santos de Cerati y Melero. Lo escuchábamos todo el día en la Ferretería de mi amigo y no pasó mucho tiempo hasta que imaginamos hacer un disco que, claro, sería un afano.

Debo confesar que no recuerdo mucho las canciones, pero creo que eran más bien del estilo de “Quatro” o “Alborada” (colchones de teclado y bases insistentes), porque con los conocimientos limitados que poseíamos de música no creo que hayamos logrado nada semejante, ni siquiera cercano, al disco de Gustavo Cerati y Daniel Melero. De todas formas, más allá de lo formal, grabamos el casete con un viejo grabador que tomaba sonidos de aire y nos divertimos mucho. Luego hicimos una tapa, ¡en la que no faltaban las imágenes de planetas y otros astros! Unos años después, con mi hermano Ariel (creador de este blog) en bajo y voz, Mariano, el colo, en batería y yo en guitarra y voz formamos una de las primeras bandas de rock en las que toqué. Ahora que escribo esta reseña, pienso que tal vez no fue casualidad que una de las canciones de Frecuencia, así se llamaba la banda, se titulara “Fugaz” y que dijera en el estribillo: “como una estrella fugaz...”. En fin, esa influencia espacial de Colores santos nos perseguía todavía… 

Si me pidieran algunas características del disco de Cerati/Melero podría decir que se trata de  ecos insistentes, flujos de sonidos electrónicos, acoples de guitarras distorsionadas. Un adelanto de lo que después sería Dynamo, para mí, el mejor disco de Soda. Porque en Colores santos ya se pueden encontrar algunas influencias bien marcadas de la música noise inglesa, por ejemplo, las guitarras saturadas del final de “Vueltas por el universo”, las de “La cuerda planetaria” o “Marea de Venus” nos remiten directamente a bandas como The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine o Sonic Youth.

Pero el disco, además de influencias, también tiene rasgos propios e inconfundibles del estilo de estos dos grandes músicos argentinos. Por ejemplo, en “Tu medicina” nos encontramos con un tema más cercano al sonido de Canción animal (hasta se podría decir que quizás es la continuación de “Té para tres”, porque el tema habla de la muerte del padre de Gustavo Cerati, a quien está dedicado el disco): los solos de guitarra más bien virtuosos, algunos arpegios y las melodías de voz; algo similar pasa con el tema “Colores santos”, que podría ser tranquilamente un tema de Soda. En cuanto al estilo de Melero, se hace presente en los temas más electrónicos como “Quatro” o “La cuerda planetaria”, además, el tono más monótono, grave y desganado de la voz de Melero (muy distinto al de Cerati) en temas como “Cozumel” que, a mi entender, tiene una de las mejores frases del disco: “El aire ríe, sin respuestas...”.

Espero que les haya gustado esta reseña/anécdota. ¡Ari, gracias por la propuesta de escribir sobre este discazo!

Hernán Tenorio


   

Aqui un pequeño documental de como se grabo

Ok computer

"Hombres antena"

tinta y digital 2013

Tu computer no da para descifrar… soltaban los Virus en “Destino circular” del disco “Locura” en la mitad de los 80, mucho antes de que todos estemos pegados a nuestras personal computers, ellos divisaban un futuro digital, que nos atravesaría indefectiblemente a todos, o a muchos por lo menos.

Unos 10 años antes ya lo hacían otros músicos, técnicos en sonido, que se presentaban ante el público como robots, casi sin demostrar ni ningún tipo de emoción, montaban cual performance teatral, sus recitales. Fríos, distantes, estos supuestos humanoides que provenían de Alemania, hablaban en sus letras de un futuro atravesado por las computadoras, así editaron varios discos, entre ellos:"Computer worl”  “Radioactivity” y “Man Machine” para mi sus tres discos fundamentales, en este  último contaban con un tema que llego a los primeros puestos de las listas, “Das Model” su tema más conocido, que fue re versionado en varias oportunidades, incluso en castellano, por el Argentino Clotta Lancetta.

Con la invención del sintetizador, algunos artistas supieron abrir el camino a otro tipo de música, cambiando la historia del rock para siempre. 

¿Cómo sabían o intuían que en un futuro no muy lejano, llegaríamos a estar tan pendientes de las computadoras? E incluso, que todos estaríamos comunicados mundialmente.

En el año 2009 Radiohead visito nuestro país y trajeron a Kraftwerk, o lo que queda de ellos, para abrir su show, allí pudimos ver el futuro, pero unos cuantos años más tarde, más allá de este detalle fue una buena noche, donde estos alemanes activaron su antena y pudimos disfrutar de sus combinaciones de ceros y unos.